UNISON SQUARE GARDEN（ユニゾン・スクエア・ガーデン）ライブ&フェスのセトリ定番曲20選

この記事でわかること

UNISON SQUARE GARDEN ライブ&フェスのセトリ定番曲20選
各曲の“現場で刺さるポイント”を曲ごとに解説
読み方：まず曲リスト→刺さった曲から個別解説へ

◇ UNISON SQUARE GARDEN（ユニゾン・スクエア・ガーデン）のライブはなぜ心を掴むのか｜セトリ定番曲で辿る熱狂の正体
◇ UNISON SQUARE GARDEN（ユニゾン・スクエア・ガーデン）ライブ&フェスのセトリ定番曲20選
◇ まとめ｜UNISON SQUARE GARDEN（ユニゾン・スクエア・ガーデン）ライブは、セトリ定番曲によって熱狂が設計されている
◇ UNISON SQUARE GARDEN（ユニゾン・スクエア・ガーデン）よくある質問
◇ UNISON SQUARE GARDEN（ユニゾン・スクエア・ガーデン）公式サイト&各種SNS

◇ UNISON SQUARE GARDEN（ユニゾン・スクエア・ガーデン）のライブはなぜ心を掴むのか｜セトリ定番曲で辿る熱狂の正体

UNISON SQUARE GARDENのライブを体験すると、多くの人が同じ感覚を口にする。
「気づいたら、ずっと前のめりで観ていた」「終わったあと、しばらく言葉が出なかった」。
それは派手な演出や過剰な煽りによるものではない。音が鳴った瞬間から、観客の身体と意識が自然にステージへ引き寄せられていく――そんな独特の引力が、ユニゾンのライブにはある。

フロアに立つとまず感じるのは、音の輪郭の明瞭さだ。
ギター、ベース、ドラム、それぞれの音が混ざり合いながらも埋もれず、どこから鳴っているのかがはっきり分かる。そのため、視線は無意識のうちにステージ上を行き来し、耳と目が同時に忙しくなる。演奏が進むにつれ、「聴いている」のではなく「巻き込まれている」という感覚に変わっていく。

特に印象的なのが、セットリストの流れだ。
ユニゾンのライブでは、単に有名曲を並べて盛り上げるのではなく、曲順そのものが一つの体験として設計されている。テンポや音圧、照明の色、会場の空気の温度までが緻密に変化し、気づけば観客の呼吸や身体の動きまで揃っていく。ジャンプする曲では自然と床が揺れ、静かな曲では拍手すら少し遅れて広がる。その「間」まで含めて、ライブが成立している。

UNISON SQUARE GARDENのセトリ定番曲は、単なる人気曲ではない。
ライブという空間でこそ意味を持ち、何度体験しても同じ感触にならない曲ばかりだ。ある曲では会場全体が一気に明転し、視界が開けるような感覚を覚える。別の曲では、音が一瞬抜けた隙間に自然発生するコールが、フロアの空気を一段階押し上げる。そうした瞬間の積み重ねが、「今日のライブは特別だった」という実感に変わっていく。

本記事では、UNISON SQUARE GARDENのライブでなぜここまで強い没入感が生まれるのかを、セトリ定番曲の役割という視点から紐解いていく。
どの曲が、どのタイミングで鳴らされ、会場の空気をどう変えていくのか。初めてライブに行く人にも、何度も足を運んでいる人にも、「あの感覚」の正体が少しだけ言語化できるはずだ。

UNISON SQUARE GARDENのライブは、観終わったあとに思う。
「またこの場所に戻ってきたい」と。
その理由を、ここから一緒に辿っていこう。

◇ UNISON SQUARE GARDEN（ユニゾン・スクエア・ガーデン）ライブ&フェスのセトリ定番曲20選

シュガーソングとビターステップ
カオスが極まる
Invisible Sensation
kid, I like quartet
harmonized finale
オリオンをなぞる
君の瞳に恋してない
天国と地獄
kaleido proud fiesta
fake town baby
傍若のカリスマ
マスターボリューム
オトノバ中間試験
フィクションフリーククライシス
桜のあと (all quartets lead to the？)
スペースシャトル・ララバイ
instant EGOist
10% roll, 10% romance
Phantom Joke
いけないfool logic

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1. シュガーソングとビターステップ

「シュガーソングとビターステップ」のイントロが鳴った瞬間、会場の照明が一斉に明転し、視界が一気に開けた。2023年の野外フェスでは火柱が立ち上がり、その熱が前方だけでなく後方席まで届くのを筆者は感じた。ポップなメロディとは裏腹に、ライブでは中盤の展開がより荒く、ギターとベースが押し寄せるように迫ってくる。“締めの定番曲”だが、終盤で鈴木貴雄が立ち上がってドラムを叩く瞬間、この曲がただの代表曲ではないことがはっきり分かる。音が止まったあと、歓声より先に訪れる一拍の静寂。その余韻まで含めて、この曲はライブの核になっている。

2. カオスが極まる

低く唸るギターリフが空間を押し下げ、客席の足元まで振動が伝わってきた。曲が進むにつれ照明は濃い青から赤へ切り替わり、2023年以降のライブではレーザーや火柱が一斉に走る場面も多い。サビ前、音が一瞬抜けた隙間に「あーあー！」という巨大なコールが自然発生し、会場全体が同じ呼吸で吸い込まれる感覚を覚えた。LiveFansでは演奏率約6割と高く、本編終盤に置かれることが多い理由もはっきりしている。鈴木貴雄の複雑なリズムを軸に、斎藤宏介の鋭いギターと田淵智也のうねるベースが重なり、混沌がそのまま快感に変わる。終わった直後、拍手が止まらないのは、この曲がライブの緊張を一段階引き上げる存在だからだ。

3. Invisible Sensation

曲が始まった瞬間、足元から一定のリズムが伝わってきた。4つ打ちのビートが床を叩き、身体が自然に前へ引っ張られる。音数は多いのに、空間は不思議と軽い。鈴木貴雄が立ち上がってドラムを叩いた瞬間、視線が一気にステージ中央へ集まった。叩きつけるというより、音を前に放り出すようなドラミングで、会場の空気が押し出されていく。
斎藤宏介のボーカルは速い展開の中でも言葉が崩れず、音の隙間にまっすぐ差し込まれる。間奏では斎藤と田淵智也が向かい合い、フレーズを重ねるたびに音が太くなるのが分かった。観客は叫ぶより先に身体が跳ね、気づけば呼吸のリズムまで揃っていた。
演奏率は高くないが、セットリストの要所で空気を切り替える役割を担う一曲。終盤、音が止まったあともしばらく余韻が残り、拍手が少し遅れて広がったのが印象に残っている。

4. kid, I like quartet

曲の後半に入った瞬間、客席まで一斉に明るくなった。照明が明転したことで、ステージだけでなく観客の表情まで視界に入ってきたのが印象的だった。歓声が大きく跳ねるというより、空間全体がふっと柔らかくなる感覚に近い。
演奏は終始タイトで、田淵智也のベースがリズムを押し出すたびに、身体が自然に揺れた。斎藤宏介のボーカルは過剰に煽らず、メロディだけをまっすぐ運んでくる。懐かしさよりも、今の3人がこの曲をどう鳴らしているかがはっきり伝わる瞬間だった。
曲が終わったあと、拍手が長く続き、誰も急いで声を出さなかった。その間の静けさが、この曲のライブでの価値を物語っていた。

5. harmonized finale

「harmonized finale」はオープニングナンバーとしても定評のある一曲。ピアノのフレーズが流れ、筆者は無意識に呼吸を整えていた。斎藤宏介の声が乗ると、音数は少ないのに空間が一気に広がる。サビに向かってバンドの音が重なるにつれ、背中にじわりと熱が残った。曲の終盤、「さよなら、さよなら」と歌い上げる部分では観客も静かにそれを受け止め、演奏が終わると数秒の静寂の後に大きな拍手が巻き起こる。ライブの始まりを「聴く姿勢」に戻してくれる一曲だ。

6. オリオンをなぞる

「オリオンをなぞる」はアニメ主題歌としても有名な曲のためイントロが鳴った瞬間から大歓声が起きやすく、観客の盛り上がりは非常に大きい曲です。曲名や歌詞にちなみ、ミラーボールの星屑ライティングが象徴的で、2024年武道館公演では、ミラーボールの光が星となり会場全体が宇宙空間に変わる幻想的な演出が行われ、爽快なサウンドが響き渡りました。曲中は手拍子や体を揺らす観客も多く、サビでは拳を突き上げたり合唱したりする光景も見られます。曲が持つ爽快感と多幸感に加え、歌詞が持つエモーショナルなメッセージも相まって、感極まって涙を流すファンもいるほどです。

7. 君の瞳に恋してない

直前曲の余韻を断ち切るように、鈴木貴雄のドラムフィルが空気を裂き、そのままイントロへ雪崩れ込む。観客も腕を下ろすタイミングを失ったまま、体ごと前に引きずられていく感覚になる。原曲は軽快だが、ライブでは音圧が増し、疾走感が一段深くなる。照明は細かく切り替わり、リズムに合わせて視界が点滅する。サビで「恋してない」のフレーズが重なると、歌うというより会場全体が同じ呼吸をするような一体感が生まれる。連続演奏の只中に置かれることで、この曲は“休符のない推進力”として機能し、後続の定番曲へ向けて観客の体温を確実に引き上げていく。

8. 天国と地獄

曲が始まった瞬間、「待ってました！」と言わんばかりに大歓声が上がります。「天国と地獄」と叫ぶように斎藤宏介の声が突き刺さります。演奏中はテクニカルな展開に圧倒される人もいれば、拳を上げてヘドバンする人もおり、会場の熱気は最高潮に到達します。曲が終わると割れんばかりの拍手と歓声が起こり、観客の興奮と感動が会場を満たします。

9. kaleido proud fiesta

2022年発表の楽曲で、アニメ『TIGER & BUNNY 2』タイアップ曲という背景から、リリース直後よりライブで重用されている。2023年以降のツアー・フェスではほぼセットリスト入りし、20周年イヤーを象徴する楽曲の一つとなった。20周年武道館公演では本編17曲目に配置され、MC明けに斎藤宏介が改めて名乗った直後、「かくしてまたストーリーは始まる」の一節から演奏が始まっている。照明は万華鏡を思わせる七色の配色が用いられ、ディスコボールや多色ライティングで祝祭感を強調。通常編成でもアウトロを延ばし手拍子を誘導する構成が見られる。2024年のオーケストラ公演ではフル編成で再現され、ピアノ導入と重厚なストリングスが強い印象を残した。サビでは観客が自然にコーラスに加わり、明るさと感情の高まりが同時に広がる楽曲となっている。

10. fake town baby

2017年発表、アニメ『血界戦線 & BEYOND』OPテーマとして知られ、ライブでは定番の盛り上げ曲として高い演奏率を誇る。近年は中盤前後に配置されることが多く、会場の空気を一気に切り替える起爆剤的な役割を担う。2024年武道館公演では本編4曲目に投入され、前曲終了後にあえて一拍の間を置いてからイントロを叩き込む演出が印象的だった。照明は赤や紫を基調としたダークトーンで、ストロボがリズムに同期し緊張感を強調。演奏は静と動のコントラストが際立ち、斎藤宏介のシャウトと囁くような歌唱が交錯する。《神様はいない要らない》や終盤の決め台詞で会場は沸騰し、暗転と同時に割れんばかりの歓声が起こる。観客参加型の合唱も定着しており、ライブのハイライトとして強烈な印象を残す一曲となっている。

11. 傍若のカリスマ

2024年10月発売の20thシングルで、リリース直後からライブのクライマックスを担う存在となっている。2025年ツアー「Charisma & Princess」では本編後半に配置された。照明は青を基調とし、各メンバーのソロでは白いスポットライトが鋭く当たる構成。ベースソロ中に田淵智也へスポットが当たり、鈴木貴雄がスティックで指し示す演出には大きな喝采が起きた。斎藤宏介は「あざーやかに」「イメージしろ」のロングトーンを伸びやかに響かせ、会場を圧倒。イントロから歓声が上がり、2番前の「and going!」での首振りや、落ちサビ前のメンバー同士の掛け合いにも反応が集中する。新曲ながら高頻度で演奏され、すでにライブ定番曲として認識されている。

12. マスターボリューム

2009年発売の2ndシングルで、長らくライブでの演奏機会が少なかった楽曲だが、20周年イヤーとなる2023〜2024年にかけて復活した。演奏は原曲に忠実な高速ビートと歪んだギターリフを軸に構成され、現在の演奏力で再現されることで音の厚みが増している。特に間奏のギターソロは「一番好きなギターソロ」と評されるほど強い反応を集めた。イントロ一音目から歓声が上がり、サビの〈混沌の〜〉で拳が突き上がるなど、往年のファンと初見の観客双方が熱量高く反応するレア曲となっている。

13. オトノバ中間試験

軽快かつテクニカルな楽曲で、ライブ序盤を勢いづける定番曲の一つ。原曲どおりのキレのある演奏を軸に、複雑なリズムのブレイクからサビへ畳みかける展開がライブでも際立つ。2023〜2025年のライブでは前半〜中盤に置かれることが多かった。演奏が始まると大歓声が起こり、〈いくらなんでも都合よすぎるからあんたなんかと踊れない〉のフレーズを観客が一緒に口ずさむ場面も多い。「踊れない」と歌いながら観客が激しく踊る光景が印象的で、手拍子ポイントでは一糸乱れぬクラップが生まれ、高い一体感を作り出している。

14. フィクションフリーククライシス

アルバム『MODE MOOD MODE』（2018年）収録曲で、近年はレア曲扱いながら、2024年の20周年企画ライブで再び注目を集めた楽曲。曲が始まった瞬間、会場は大歓声に包まれ、〈エンディング向かおうとしてんじゃねえよ〉の一節では拳が一斉に突き上がる。サビの〈結局世界は僕が救うしかない〉や「迷子！」の合いの手では観客の声が重なり、〈当然手ぶらじゃ〜〉では手拍子が自然発生。久々の披露となった本曲は、SNSでも話題を呼び、20周年ライブならではの強烈なサプライズとして深く印象づけられた。

15. 桜のあと (all quartets lead to the?)

ユニゾンを代表するアンセムのひとつで、ライブでは原曲に忠実な演奏を軸にしながら、終盤に向けて空気そのものを変えていく楽曲。イントロのアルペジオが鳴った瞬間、客席が静まり返り、曲の進行とともに照明が徐々に明るくなることで、夜明けを思わせる情景が会場に広がる。対バン企画“◯◯が極まる”シリーズでは本編ラストを任されることが多く、高松公演でも演奏終了後に拍手が鳴り止まない余韻を残している。ラスサビ〈どこまでも行くだろう〉では涙ぐむ観客の姿も珍しくなく、「桜のあとが聴けると勝利」と語られる理由を強く印象づける一曲となっている。

16. スペースシャトル・ララバイ

2023年リリースのアルバム『Ninth Peel』収録曲で、近年のライブでは後半ブロックの合図として機能する一曲。ドラムソロから始まり、発射前の10秒カウントダウンを経て曲に突入する演出が定番化しており、この瞬間に会場の空気が「ここから後半だ」と一気に切り替わる。クールなセッションから一転、明るくポップなメロディが広がる展開は鮮やかで、照明や宇宙モチーフの演出と相まって高揚感を押し上げる。中盤では斎藤宏介のアカペラによる静かなブリッジが挿入され、空間が一瞬張り詰めたのち、再び大きく解放される構成も印象的。「健闘を祈る！」のフレーズに合わせて拳が上がり、演者と観客が同じ温度で前へ進む感覚を共有できる、ライブ後半を象徴する楽曲となっている。

17. instant EGOIST

「instant EGOIST」はアルバム『Catcher In The Spy』収録曲の中でも、ライブで“グルーヴそのもの”を体感させる役割を担う一曲だ。演奏が始まると、鈴木貴雄のタイトで跳ねるビートに田淵智也の太いベースラインが絡み、会場の床が揺れるような感覚が生まれる。ポップなリズムに反して音像は骨太で、観客は自然とジャンプしながら体を揺らし、演奏者の動きに視線を奪われていく。近年のライブでは後半ブロックへの導入として使われることが多く、フェスでも一気に空気を切り替えるスイッチとして機能してきた。曲中の掛け声やブレイクでは一体感が強まり、観客の反応が演奏をさらに押し上げる。披露される場では密度の濃い高揚感を生み出す、知る人ぞ知るライブ映え曲として確かな存在感を放っている。

18. 10% roll, 10% romance

「10% roll, 10% romance」は、ユニゾンのライブにおいて身体が先に反応するタイプの定番疾走曲だ。イントロのギターカッティングが鳴った瞬間、フロアは一斉に跳ね始め、10%刻みの軽快なリズムに乗って会場全体が上下に揺れる。
セットリストでは序盤に配置されることも、終盤で再加速を担うこともあり、2023年以降のライブでも柔軟に機能している。斎藤宏介の軽やかなボーカルと、ギターとベースが絡み合う疾走感が生む多幸感は、観客を“考える前に踊らせる”。手拍子やジャンプが自然発生し、ライブ空間そのものが一体となって前に転がっていく感覚を味わえる一曲だ。

19. Phantom Joke

ライブでの「Phantom Joke」は、始まり方そのものが緊張を生む。とある公演では、場内が静まり返った状態からギターの軽いセッションが入り、その直後に轟音で本編へ突入。斎藤宏介が《まだ世界は生きてる》と歌い出した瞬間、空気が一気に張り詰めたとレポートされている。
2019年以降はオープナーや中盤の“流れを切り替える位置”で使われることが多く、音数の多さと展開の速さが観客の集中力を強制的に引き上げる役割を担う。2024年の20周年ツアーでは中盤に配置され、立て続けに繰り出される高密度な演奏に、客席では拳を振り上げる人と固唾を呑んで見つめる人が入り混じっていた。
高速で畳みかける後半、鬼気迫るギターソロから一気にラストへ雪崩れ込む構成は、「曲が終わったあとに静寂が訪れる」ことまで含めてライブ演出として強く印象に残る一曲だ。

20. いけない fool logic

2023年に初披露されたこの曲は、ライブ空間の空気を一瞬で塗り替える“多幸感の起点”として機能する。跳ねる四つ打ちに乗って《君の心が必要で♪》と歌い出した瞬間、会場の表情が一斉にほどけ、フロアは自然と上下に揺れ始める。田淵はヘッドホンを装着し、シンセを操りながらステージを大きく使って動き回り、斎藤と目を合わせては笑う。その無邪気さが音に直結し、観客側にも伝播していくのがはっきり分かる。サビではクラップとジャンプが重なり、《狂騒をくれよ！》の一節が放たれるたびに歓声が跳ね返る。ハッピーな音像のまま終わらせず、次曲へ雪崩れ込む構成が選ばれることも多く、ライブ全体の振れ幅を一気に広げる役割を担う。皮肉と優しさが同居した歌詞と、身体が先に反応するビートが結びついた、現行ユニゾンのライブを象徴する一曲だ。

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◇ まとめ｜UNISON SQUARE GARDEN（ユニゾン・スクエア・ガーデン）ライブは、セトリ定番曲によって熱狂が設計されている

UNISON SQUARE GARDENのライブを体験して強く感じるのは、盛り上がりが「偶然」ではなく「構造」として組み上げられているという事実だ。
一曲一曲が独立した名演であるのはもちろんだが、それ以上に印象に残るのは、セットリスト全体を通して感情がどう動かされていくかという設計の巧みさにある。

序盤では、身体が自然と動き出すような推進力のある楽曲で観客の温度を揃え、中盤ではリズムや音数、緊張と緩和を使って空気を切り替える。
そして終盤にかけては、「この瞬間を待っていた」と無意識に思わせる配置で定番曲が投下され、会場全体の感情が一気にひとつに束ねられていく。
この流れは、その場のノリや煽りで生まれるものではない。何度もライブを重ね、観客の反応を見続けてきたバンドだからこそ成立する設計だ。

ユニゾンの定番曲が特別なのは、単に知名度が高いからではない。
ライブという空間で鳴らされたとき、音・照明・観客の動きが噛み合い、「体験」として完成するように作られているからだ。
イントロが鳴った瞬間に起こる歓声、サビ前に自然発生するコール、音が止んだ直後に訪れる一拍の静寂。
それらは演出という言葉では片付けられない、ライブの現場でしか生まれない反応の積み重ねである。

また、ユニゾンのライブが多くの人の心に残る理由は、過剰な説明や感情の押し付けをしない点にもある。
楽曲は饒舌だが、ステージ上の振る舞いは必要以上に語らない。
だからこそ観客は、与えられた感情を受け取るのではなく、自分自身の体験としてライブを噛み締めることができる。
同じ曲を聴いていても、人によって記憶に残る場面が違うのは、その余白がきちんと用意されているからだ。

本記事で紹介してきたセトリ定番曲たちは、どれも単体で強い力を持っている。
しかし本当の価値は、ライブの流れの中で配置されたときに、どんな役割を果たすかにある。
勢いを加速させる曲、空気を引き締める曲、感情を解放する曲。
それぞれが意味を持って並べられることで、ユニゾンのライブは「楽しかった」で終わらない体験になる。

もしこれから初めてUNISON SQUARE GARDENのライブに足を運ぶなら、
ぜひセットリストの流れと、定番曲が置かれている“位置”に注目してほしい。
そしてすでに何度もライブを観ている人なら、
「あの瞬間、なぜあそこまで気持ちが持っていかれたのか」を思い返してみてほしい。

ユニゾンのライブが心を掴む理由は、音の強さでも、派手さでもない。
セトリ定番曲を軸に、感情が自然に動くよう“設計されている”こと。
その事実に気づいたとき、次のライブはきっと、これまでより少し深く、鮮明に記憶に残るはずだ。