King Gnu（キングヌー）ライブ&フェスのセトリ定番曲20選

この記事でわかること

King Gnu（キングヌー）ライブ&フェスのセトリ定番曲20選
各曲の“現場で刺さるポイント”を曲ごとに解説
読み方：まず曲リスト→刺さった曲から個別解説へ

◇ なぜKing Gnu（キングヌー）のライブは忘れられないのか？｜セトリ定番曲で辿る20の記憶
◇ King Gnu（キングヌー）ライブ&フェスのセトリ定番曲20選｜予習におすすめ
◇ まとめ｜King Gnu（キングヌー）のライブに残る20の記憶
◇ よくある質問｜King Gnu（キングヌー）のライブ・セトリ定番曲
◇ King Gnu（キングヌー）公式サイト・各種SNS
◇ King Gnu（キングヌー）関連商品

◇ なぜKing Gnu（キングヌー）のライブは忘れられないのか？｜セトリ定番曲で辿る20の記憶

ライブが終わってから時間が経っても、ふとした瞬間に思い出してしまう光景がある。

音が鳴った瞬間、空気の密度が変わったこと。
照明が切り替わったとき、会場が一瞬だけ静まり返ったこと。
隣に立っていた誰かの呼吸や、声を出すのをためらった間。

King Gnu（キングヌー）のライブが忘れられない理由は、単に「盛り上がったから」ではない。
一曲ごとに、会場の温度や重さが、確実に書き換えられていく感覚が残るからだ。

定番曲という言葉から、多くの人は
「一番盛り上がる曲」「誰もが知っている代表曲」を思い浮かべるかもしれない。
だが、King Gnu（キングヌー）のライブで強く記憶に残るのは、必ずしもテンションが最高潮に達した瞬間だけではない。

むしろ、
声が出なくなった時間
身体が動かなくなった時間
ただ音を受け取るしかなかった瞬間
そうした“何もしなかった時間”こそが、後になって何度も思い返される。

セットリストは、単なる曲の並びではない。ライブ全体の温度をどう動かすか、その設計図だ。

序盤で身体を起こし、中盤で感情を揺らし、終盤で理性を手放させる。

その流れの中に、あえて静かな曲や、
派手な煽りのない曲が配置されている理由がある。

たとえば、会場中が歌声で満たされる曲がある一方で、
誰も声を出さず、ただ立ち尽くすように聴く曲がある。

暴れることが許される時間もあれば、動かないことが“正解”になる時間もある。

本記事では、King Gnu（キングヌー）の最近のツアーや公演をもとに、
セットリストの傾向を整理しながら、
ライブで“定番”として機能してきた20曲を取り上げていく。

扱うのは、単なる人気曲の一覧ではない。その曲が鳴ったとき、会場で何が起きていたのか。声は出ていたのか、出ていなかったのか。跳んでいたのか、立ち止まっていたのか。

筆者自身が現場で感じ取った空気と、「その曲が担っていた役割」を記録していく。

King Gnu（キングヌー）のライブが残すものは、熱狂だけじゃない。
終演後、少し黙り込んでしまうような余韻。
家に帰ってから、もう一度プレイリストを開いてしまう衝動。

その正体を、
セトリ定番曲という切り口から辿っていく。

これは、20曲の紹介であると同時に、
ライブという体験の中に置き去りにされた、20の記憶の記録だ。

他アーティストの“セトリ定番曲”もまとめて見たい人はこちら。

◇ King Gnu（キングヌー）ライブ&フェスのセトリ定番曲20選｜予習におすすめ

飛行艇
一途
雨燦々
Flash!!!
SPECIALZ
硝子窓
Prayer X
Teenager Forever
Tokyo Rendez-Vous
):阿修羅:(
Sorrows
SUNNY SIDE UP
SO BAD
TWILIGHT!!!
ねっこ
Slumberland
カメレオン
白日
逆夢
BOY

※PR：King Gnu｜チケットの相場を見る【チケットジャム】

1. 飛行艇

「飛行艇」はKing Gnuのライブで、クライマックスを担う場面に置かれることが多い壮大なロックナンバーだ。2019年のリリース以降、野外フェスや大型公演で繰り返し演奏されてきた。屋外ステージでは、音が上へ抜けていく感覚が強く、筆者はサウンドが空に向かって解き放たれていくように感じた。
2023年のスタジアムツアーでは、開会式演出に続く1曲目として登場し、日産スタジアムに重たいビートが響いた。視界の奥まで音が届き、会場全体が一気に現実から切り離されていく。一方、2024年の5大ドームツアーでは本編ラストやアンコールの最後に演奏され、井口の掛け声を合図に、巨大な火柱が何度も上がった。その熱が客席まで押し寄せ、身体の芯がじわりと熱を帯びる。歌い出しに合わせて腕を振り上げる人が増え、最後の高揚を分かち合うような空気が残った。音が止まっても、しばらく余韻が消えない。

2. 一途

「一途」はライブ序盤からフルスロットルの盛り上がりを生み出すロックチューンです。2024年の東京ドーム公演では2曲目に披露され、イントロに重なるように特効の火花が上がった。ビートが走るたびに床の振動が伝わり、まだ体が温まりきる前から、空気だけが先に加速していく。
常田と井口のツインボーカルは、呼吸を合わせるというよりも互いに押し合うようで、後半に入るとテンポ感がさらに鋭くなる。レーザーがドームの天井を横切るたび、客席の視線が自然と前へ集まっていった。サビに差しかかると、「無茶苦茶にしてくれないか？」という歌詞に呼応するように腕を突き上げて叫ぶファンの姿も見られ、声が一段前に出る。まだ序盤にもかかわらず、会場は最初からトップギアに入り、まさに序盤から会場を一体化させるキラーチューンと言える。

3. 雨燦々

「雨燦々」はライブで、観客の声が主役になる瞬間をつくる曲だ。穏やかなメロディが広がると、会場の空気がふっと緩み、視線や身体の向きが自然とステージに揃っていく。2023年の日産スタジアム公演では、開けた空の下でこの曲が鳴り、筆者の周囲でも肩の力が抜けたように揺れる人が増えていった。
2024年のドームツアーでは曲に入る直前、井口が客席へマイクを向けて声を促す。その合図とともに、サビで一斉に歌声が立ち上がり、天井まで押し上げられるように響いた。照明は柔らかく会場を照らし、左右に手を振る動きが波のように広がっていく。中盤ではドラムとベースが前に出るアレンジに切り替わり、包み込む空気の中に、しっかりとしたバンドの重さが加わる。ラストに井口が感謝を伝えると、大きな拍手が返り、歌声と音が交わった余韻だけが会場に残った。ライブでこそ成立する一曲だ。

4. Flash!!!

「Flash!!!」はライブ終盤で、会場の熱量を一段階引き上げる役割を担う曲だ。2023年の日産スタジアム公演ではアンコール最後に配置され、井口の「盛り上がろうぜ！」という煽りを合図に演奏が始まった。ビートが落ちる前から、筆者の視界では跳ねる人が増え、拳が次々と上がっていく。
音が加速するにつれて、ジャンプの揺れが足元から伝わり、ステージと客席の境目が曖昧になっていく。頭上では花火が上がり、無数のレーザーが空間を切り裂くように走った。光と音が重なった瞬間、思わず声が漏れるほど視界が埋め尽くされる。2024年のドームツアーでも本編終盤に演奏され、これまでにない数のレーザーと強い音圧が、身体ごと押し返してくる感覚が残った。終盤、井口や新井がステージ前方に出て煽ると、「Flash! Flash!」に合わせて拳を振る動きが一斉に揃う。最後の一音まで、エネルギーが途切れない。ライブという体験のクライマックスを、そのまま形にした一曲だ。

5. SPECIALZ

「SPECIALZ」は2023年発表以降、King Gnuのライブでオープニングを任される定番曲になった。5大ドームツアーでも各公演の1曲目に置かれ、開演前にサイケデリックな映像が流れた直後、暗転の中でメンバーが姿を現す。井口の〈“U R MY SPECIAL”〉という一声が響いた瞬間、筆者の周囲では視線が一斉にステージへ集まり、歓声が天井に跳ね返った。
ステージ中央に設えられた巨大な“鏡の破片”のモニュメントが真紅に染まり、ビートが走り出すと、まだイントロの途中にもかかわらず体を揺らす人が増えていく。東京ドーム公演では、開演前に井口が映像で「今日は大きな声で盛り上がって！」と呼びかけており、その言葉どおり、曲が始まる前から空気は張り詰めていた。重低音の効いたバンドサウンドに手拍子が重なり、この一曲でライブ空間が一気に非日常へ切り替わる。まさに「King Gnuの祭りが始まった」と実感させるオープニングだ。

6. 硝子窓

「硝子窓」はライブの中で、会場の時間がゆっくりと落ち着いていく瞬間をつくる曲だ。大きな動きはなく、音の一つひとつに意識が向く。2024年の東京ドーム公演では、MCで井口が「今日は大声で盛り上げてほしい」と伝えた直後、常田のピアノからこの曲が始まった。広い空間に澄んだ音が伸び、筆者の位置でも鍵盤に触れる強弱がはっきりと伝わってきた。
井口の歌声は輪郭が柔らかく、息の混ざる感じまで耳に残る。新井のベースは低い位置で音を支え、勢喜のドラムは主張しすぎず、細かなニュアンスだけが床を伝ってくる。客席は自然と静まり、視線がステージから離れなくなる。曲中、常田がボコーダーを通して重ねるコーラスが加わると、空気の奥行きが一段深まった。派手な煽りはない。ただ、音が鳴っているあいだ、会場が止まっているように感じられる。ライブの中に、静かな没入を残す一曲だ。

7. Prayer X

「Prayer X」はライブの中で、音量よりも“距離感”が変わる瞬間をつくる曲だ。ミニマルな立ち上がりに、会場の動きが止まり、視線が静かにステージへ集まっていく。2023年のスタジアムツアーでは、曲中に観客の歌声が重なり、広い会場が一斉に声を出す場面が生まれた。
2024年のドームツアーではアンコールの最初に配置され、井口が「一緒に歌いましょう」と呼びかける。常田のアコースティックギターが鳴り、井口がほとんどアカペラに近い声で歌い始めると、筆者の周囲でも自然と呼吸を合わせるような静けさが広がった。やがて手拍子がゆっくりと刻まれ、青い照明の中で声が重なっていく。
サビでは井口がマイクを客席に向け、演奏が一歩引く。残るのは観客の声だけだ。数万人分の歌がひとつの音像として響く時間が、確かにそこにあった。祈るように耳を澄ます感覚が、ライブの終盤に深く残る一曲だ。

8. Teenager Forever

「Teenager Forever」 は、ライブ序盤で空気を一段階押し上げる役割を担う曲だ。音が鳴った瞬間、身体の重心が自然と前に引っ張られる感覚がある。筆者はこの曲が始まると、足元の振動と一緒に周囲の視線が一斉にステージへ集まるのを感じた。サビに入ると、客席から声が一気に立ち上がる。「Teenager Forever」というフレーズを、誰かが歌い始め、それが周囲へ連鎖していく。跳ぶ人、拳を上げる人、声だけを前に出す人。反応はバラバラなのに、空気だけがひとつに揃っていく。演者が煽らなくても成立するのは、この曲が「歌われる前提」で存在しているからだろう。序盤に置かれることで、観客はここで身体を解放し、声を出すことを思い出す。Teenager Foreverは、ライブのスイッチを確実に入れるための合図のような曲だ。

9. Tokyo Rendez-Vous

「Tokyo Rendez-Vous」は、ライブの流れを一度ほぐし、バンドと観客の距離を近づける曲だ。イントロのピアノが鳴った瞬間、会場の空気が少し柔らぐのを筆者は感じた。跳ぶでも叫ぶでもなく、身体を左右に揺らす人が増えていく。この曲では“踊る”という選択肢が自然に生まれる。 アウトロに入ると演奏は次第に拡張され、4人が視線を交わしながら音を重ねていく。そのやり取りを見守る時間が、観客にとっての参加になる。アンコールで披露された日は、歓声よりも拍手が長く続いた。Tokyo Rendez-Vousは、盛り上げるための曲ではなく、King Gnuというバンドをそのまま共有するための曲だ。

10. ):阿修羅:(

「):阿修羅:(」はPlayStationのCMソングとして生まれた、攻撃性と疾走感で押し切る新しめのキラーチューン。筆者の記憶にいちばん濃く残っているのは、ドームツアーで「W●RKAHOLIC」の火花→椎名林檎の「W●RK」→その熱を冷ます間もなくモニターに曲名が映って雪崩れ込む流れ。“熱狂のピークをもう一段上にずらされる”感覚があった。床からせり上がるような重低音に、鋭い上モノが刺さり、客席の身体が同じテンポで揺れ始める。幾千ものレーザーと炎が飛び交う中で、新井和輝がベースを抱えたまま左手で鍵盤も弾く“異様にグルーヴィーな動き”まで含めて、この曲はライブの絵が強い。

11. Sorrows

「Sorrows」はセットリストの流れの中で、空気をもう一段ポップな方向へ引き戻す役割を担う曲だ。ミドルテンポのリズムが走り出すと、筆者の周囲でも自然と身体が揺れ始め、視線が再びステージ前方へ集まっていく。
5大ドームツアーの札幌ドーム公演では、「Slumberland」で一度張り詰めた空気のあと、井口が「まだまだ行こうぜ！」と声をかけ、そのままこの曲へ雪崩れ込んだ。切り替えの速さに、客席の反応も遅れない。新井がステージ前方で腰を落としながら音を叩きつけるように演奏する姿が見え、低音が床を伝ってくる。
曲の途中、常田が「札幌！！！」と叫ぶと、客席から声が返り、拳がいくつも上がった。合唱が起きるタイプの曲ではないが、印象的なフレーズに合わせて手拍子が重なり、サビでは腕を振る動きが広がっていく。メンバー全員が前に出て音をぶつけ合う時間が、そのまま会場の集中を引き寄せる。ライブバンドとしての強度を、はっきりと感じさせる一曲だ。

12. SUNNY SIDE UP

「SUNNY SIDE UP」はセットリストの中で、空気の温度をやわらかく変える役割を担う曲だ。東京ドーム公演では「BOY」から続く流れで披露され、音が立ち上がった瞬間、会場の緊張がふっとほどけたのを筆者ははっきり覚えている。常田のクリアなギターが広がり、井口の声が天井の高い空間をまっすぐ抜けていく。照明はオレンジや黄色を基調に切り替わり、朝の光のような明るさが客席まで届いていた。
観客は跳ぶでも叫ぶでもなく、身体を揺らしながら自然にリズムを受け取っている。井口が「歌おう」と声をかけ、マイクを客席に向けると、周囲から少しずつ声が重なり始めた。そのまま「雨燦々」へつながる構成では、歌うこと自体が目的になる時間が生まれる。
手拍子は強制されず、口ずさむ声もまちまちだが、それがかえって心地いい。大きな一体感というより、同じ光の中で呼吸を揃える感覚に近い。ライブの中盤で気持ちを前向きに整え直してくれる、穏やかな支点のような一曲だ。

13. SO BAD

「SO BAD」は通常のライブ文脈から一歩外れた場所で、その異質さが最大化された曲だ。2025年10月、大阪のユニバーサル・スタジオ・ジャパンで披露された一夜限りのパフォーマンスでは、ステージの周囲を無数のゾンビダンサーが取り囲み、音が鳴った瞬間から空気が一変した。煙と照明が視界を覆い、視線の先では人なのか演出なのか分からない動きが続く。
重く歪んだビートに合わせて、身体は勝手に前のめりになる。観客も振付をなぞるように腕や首を動かし、正解のない動きが連鎖していく感覚があった。井口や常田が言葉ではなくジェスチャーで煽ると、その混沌はさらに加速する。整った一体感ではなく、制御を手放した共有状態に近い。
曲が終わる頃には、興奮と疲労が同時に残る。ライブという枠を越え、体験型のショーとして記憶に刻まれる一曲だ。

14. TWILIGHT!!!

「TWILIGHT!!!」は曲そのものよりも、鳴った“場所と時間”が強く記憶に残る一曲だ。2025年4月、新宿・歌舞伎町で行われた告知なしのフリーライブでは、夕暮れに染まり始めた街の中で突然演奏が始まった。空が茜色から群青へ移ろうタイミングと、ネオンが灯り始める時間帯。その境目に、この曲が重なった。
ステージは簡素だったが、夕焼けと街の光そのものが演出になっていた。演奏中、曲中に挿入された“扉の音”が鳴った瞬間、筆者の周囲でも空気が一段跳ねた。歓声というより、驚きが声になったような反応だった。新曲にもかかわらず、サビでは自然と手拍子が生まれ、身体を揺らす人が増えていく。
MCは最小限で、井口が感謝を伝え、常田が手を振る程度。それでも「最高の夜だ」という短い言葉が、この場の性質を十分に表していた。用意されたライブではなく、偶然立ち会った瞬間として刻まれる体験。
「TWILIGHT!!!」は、音楽が街と時間に溶け込むことで完成した。ライブというより、ひとつの夜の記憶として残る一曲だ。

15. ねっこ

「ねっこ」はライブの流れを一度、深く沈めるために置かれた曲だった。2025年のファンクラブ限定ライブハウスツアーでは、照明がブルー系に落とされ、ステージ中央だけが静かに照らされる。音数は少なく、井口のピアノと声が空間の中心に置かれ、常田のアコースティックギターが寄り添うように鳴る。
筆者の周囲でも、曲が始まった瞬間に身体の動きが止まった。拍手も声もなく、ただ音が落ちてくるのを待つような空気だった。初披露の場でありながら、サビに入る頃には客席の呼吸が揃っていくのが分かる。音が大きくなるわけではないのに、ひとつひとつのフレーズが確かに胸に残る。
曲が終わると、すぐに拍手は起きなかった。数秒の静寂があってから、ようやく客席が現実に戻るように手を叩き始める。その間が、この曲の余韻だったのだと思う。聴くことに全員が集中する時間が、確かにそこにあった。
「ねっこ」はライブにおいて、感情を外に出す曲ではない。静かに受け取り、それぞれが自分の内側に持ち帰るための一曲だ。

16. Slumberland

「Slumberland」はライブの終盤で、理性を一度外すために投げ込まれる曲だ。横浜スタジアム公演では、常田が拡声器を手に現れ、「Wake up!」と叫んだ瞬間から空気が切り替わった。低く重いビートが鳴り、照明は赤や黄色のストロボに変わる。視界が揺れ、音が身体の内側に直接当たってくる。
勢喜のドラムが強く踏み込み、スモークが噴き上がると、前方の景色が一瞬白く飛んだ。常田が拡声器越しに「踊れ！」と放つたび、筆者の周囲でも動きが激しくなる。ジャンプする人、首を振る人、拳を突き上げる人。動きは揃っていないのに、同じビートに捕まっている感覚だけは共有されていた。
ラップパートでは声が前に出る。合いの手のようなシャウトが重なり、常田がジェスチャーで煽ると、客席の反応がさらに一段跳ね上がる。終盤、「もっと来い！」という合図で熱量が限界まで押し上げられ、最後の音が切れた瞬間、どよめきと拍手が一気に噴き出した。
整った一体感ではなく、暴れることを許された共有状態。それが「Slumberland」のライブ体験だ。音源では再現できない、身体ごと引きずり込まれる感覚が、確かにそこにあった。

17. カメレオン

「カメレオン」はライブの中で、物語の章が切り替わる合図のように置かれていた。映像演出を経てステージが静まり、井口がピアノの前に座る。その動きだけで客席の空気が変わり、筆者の周囲でも自然と身体の力が抜けていくのが分かった。
音は抑えめで、声が先に立つ。スクリーンには抽象的な光や星空を思わせる映像が映り、現実の会場と切り離されたような感覚が生まれる。井口の高音が伸びるたびに、空間の奥まで音が届いていく。屋外公演では、夕暮れから夜へ移ろう空の色と曲の進行が重なり、時間そのものが演出の一部になっていた。
終盤、「君は誰？」というフレーズが繰り返される場面で、常田が加わりツインボーカルになる。その声の重なりが、問いを投げかけるように客席へ落ちてきた。観客が息を詰めて受け取る時間が確かに存在していた。
曲が終わると、すぐに歓声は起きない。ため息のような間があってから拍手が広がる。その余韻の長さが、この曲がライブで果たしている役割を物語っている。「カメレオン」は感情を爆発させる曲ではなく、物語の核心に触れさせるための一曲だ。

18. 白日

「白日」はライブの中で、会場の役割が反転する瞬間を生む曲だ。2024年のドームツアーでは本編中盤に配置され、スクリーンの映像がカラーからモノクロへ切り替わる。その変化だけで、空気が一段深く沈んだのを筆者は感じた。音数は抑えられているのに、声が空間の隅々まで届き、巨大な会場がひとつの箱として機能し始める。
2023年のスタジアム公演では、アンコールの冒頭で常田のチェロが鳴り、そこから「白日」が立ち上がった。夕暮れから夜へ移る時間帯、井口の声が屋外に真っ直ぐ放たれ、風と一緒に広がっていく。サビに入ると、客席から自然と歌声が重なり始める。合図はない。ただ、歌える空気がそこにあった。
井口がマイクを客席に向けると、演奏が一歩引き、残るのは観客の声だけになる。数万人分の歌が、ひとつの音として立ち上がる時間。筆者の周囲でも、歌いながら涙を拭う人や、声を出せずにただ立ち尽くす人がいた。
曲が終わると、拍手と歓声が一気に押し寄せるが、その前に必ず短い余韻が生まれる。「白日」は盛り上がるための曲ではない。ライブという場で、演者と観客の境界が最も薄くなる瞬間を、静かに記録する一曲だ。

19. 逆夢

「逆夢」はライブの中で、時間の流れが一度ゆっくりになる瞬間をつくる曲だ。東京ドーム公演では前曲から切れ目なくつながり、照明がブルーやパープルへと移ろう。ステージ上の輪郭が薄れ、メンバーのシルエットだけが浮かび上がると、会場全体が夢の中に引き込まれるような感覚になる。
音は穏やかで、井口の声が静かに広がる。筆者の周囲でも、身体の動きが止まり、視線だけがステージに固定されていた。サビでは口ずさむ声がぽつぽつと重なるが、大きな合唱にはならない。その控えめさが、この曲らしい距離感を保っている。
屋外公演では、夜に向かう空気や風が演奏と重なる瞬間があった。音楽と環境の境界が曖昧になり、ただ「その場にいる」感覚だけが強く残る。曲が終わると、すぐに拍手は起きない。数秒の静寂があってから、ようやく現実に戻るように音が広がっていく。
煽りや言葉は最小限で、次の曲へ自然に移行する。その流れまで含めて、感情を外に放つのではなく、内側に沈める時間が用意されていた。「逆夢」はライブの中で、余韻を深く残すための静かな核のような一曲だ。

※PR：King Gnu｜チケットの相場を見る【チケットジャム】

20. BOY

「BOY」はライブの終盤で、会場の空気をふっと明るい方向へ引き戻す役割を担う曲だ。東京ドーム公演では、スクリーンにミュージックビデオで登場した子どもたちの映像が映し出され、演奏するメンバーの姿と交互に切り替わっていく。その対比が、楽曲の持つ無邪気さをそのまま可視化しているようだった。
音が走り出すと、客席の反応も分かりやすい。手拍子が起こり、身体を上下に揺らす人が増えていく。筆者の周囲でも、難しいことを考えずにリズムを受け取っている様子が伝わってきた。サビでは手を振る動きが自然に広がり、ジャンプというより、軽く弾むようなノリが会場全体に共有される。
屋外公演では映像演出はなく、メンバー4人がステージ前方に集まり、顔を見合わせながら演奏する場面が印象に残った。力を誇示するわけでもなく、ただ楽しそうに音を鳴らしている。その姿が、そのまま客席の表情に反映されていく。
曲が終わると、歓声は鋭く跳ね上がるというより、弾けるように広がった。高揚のピークではなく、前向きな余韻を残す終わり方。「BOY」はライブのラストで、もう一度“少年の感覚”に立ち返らせてくれる一曲だ。

◇ まとめ｜King Gnu（キングヌー）のライブに残る20の記憶

ここまで、King Gnuのライブで繰り返し鳴らされてきた20曲を辿ってきた。
どの曲も演奏回数が多く、「定番曲」と呼ばれるだけの理由は確かにある。
けれど、その本質は**“よく演奏されている”という事実だけでは説明しきれない。**

King Gnuのライブで強く残るのは、
曲名やフレーズそのものよりも、その曲が鳴った瞬間に空気がどう変わったかという記憶だ。

一気に体温が上がった場面。逆に、声を出すことを忘れて立ち尽くした時間。
動くことが正解だった瞬間もあれば、動かないことが正解だった瞬間もある。

20曲を並べてみて分かるのは、
King Gnuのライブが常に“盛り上がり続ける場所”として設計されていないということだ。

激しく煽り、身体を解放する曲がある一方で、
感情を内側へ沈め、音だけを受け取らせる曲が、意図的に配置されている。
静と動、光と影、熱と余韻。
そのコントラストがあるからこそ、ライブ体験は平面的にならず、立体的な記憶として残る。

とくに印象的なのは、誰もが知る代表曲と、そうでない曲が、ライブの中では同じ重さで機能している点だ。

合唱が起きる曲もあれば、
数万人が沈黙する曲もある。
どちらが欠けても、ライブは成立しない。

定番曲とは、盛り上げるための装置ではなく、
空気を動かすための装置なのだと、20曲を通してはっきりと見えてきた。

本記事で扱ってきた内容は、
筆者自身が現場で体感した空気を軸にしながら、
ライブレポートや演奏データと照らし合わせて整理したものだ。
主観だけでも、数字だけでも語れない、
**“その場にいた人間だからこそ書ける記録”**として、この20曲を並べている。

ライブが終わったあと、しばらく言葉が出てこないことがある。
家に帰ってから、もう一度プレイリストを開いてしまうことがある。
それは、音楽そのものに感動したからというより、
あの時間をもう一度なぞりたくなるからなのだと思う。

この20曲は、King Gnuのキャリアを象徴する楽曲たちであると同時に、
ライブという一夜の中で確かに刻まれた、20の記憶でもある。

もし次にライブへ足を運ぶ機会があれば、
「次はどんな空気に変わるのか」
そんな視点で、一曲一曲を受け取ってみてほしい。

きっとまた、
これまでとは違う、新しい記憶が増えるはずだ。

◇ よくある質問｜King Gnu（キングヌー）のライブ・セトリ定番曲

Q1. King Gnuのライブは初参戦でも楽しめますか？

はい、初めてでも問題なく楽しめます。
King Gnuのライブは、コールや振り付けを強制される場面が少なく、それぞれの聴き方が尊重される空気があります。
盛り上がる曲では自然と体が動き、静かな曲では会場全体が静まり返る。その流れに身を委ねるだけで、初参戦でも十分に没入できます。

Q2. セトリ定番曲だけ予習しておけば大丈夫？

結論から言うと、この20曲を押さえておけば十分です。
King Gnuのライブでは、代表曲・定番曲が軸になって構成されることが多く、初見でも展開を掴みやすいのが特徴です。
細かいアルバム曲まで完璧に覚える必要はなく、「どんな曲で空気が変わるのか」を知っておくことが一番の予習になります。

Q3. King Gnuのライブって、ずっと激しいですか？

いいえ、常に激しいわけではありません。
むしろ、激しさと静けさの振れ幅が非常に大きいのがKing Gnuのライブです。
暴れる曲の直後に、息を呑むほど静かな曲が配置されることも珍しくなく、感情のアップダウンそのものが演出になっています。

Q4. ライブで特に印象に残りやすい曲の特徴は？

印象に残る曲には共通点があります。
それは「盛り上がる」かどうかではなく、会場の空気を一変させる力を持っていること。
大合唱が起きる曲もあれば、数万人が沈黙する曲もある。
どちらも同じくらい強く記憶に残るのが、King Gnuのライブの特徴です。

Q5. King Gnuのライブが「忘れられない」と言われる理由は？

理由はシンプルで、音楽だけを体験している時間が生まれるからです。
演出・照明・曲順が緻密に組まれ、観客は「次に何が来るか」を考える暇もなく、その場に引き込まれていきます。
ライブが終わったあと、曲名よりも“あの瞬間の空気”を思い出す──
それこそが、King Gnuのライブが忘れられない理由です。