YOASOBI（ヨアソビ）ライブ&フェスのセトリ定番曲20選

この記事でわかること

YOASOBI ライブ&フェスのセトリ定番曲20選
各曲の“現場で刺さるポイント”を曲ごとに解説
読み方：まず曲リスト→刺さった曲から個別解説へ

◇ 心が震えたYOASOBIライブのセトリ定番曲20選｜“あの瞬間をもう一度”
◇ YOASOBI ライブ&フェスのセトリ定番曲20選
◇ まとめ｜YOASOBIライブのセトリ定番曲20選で残った“あの瞬間”
◇ よくある質問｜YOASOBI
◇ YOASOBI 公式サイト・各種SNS
◇ YOASOBI 関連商品

◇ 心が震えたYOASOBIライブのセトリ定番曲20選｜“あの瞬間をもう一度”

YOASOBIのライブは、曲を知っているだけじゃ足りない。音が鳴った瞬間、会場の空気が切り替わって、身体が先に反応する。赤いレーザーが走って拳が揃う。青い光が広がって声が重なる。タオルが回り、フリフラの色が増えて、景色が一気に塗り替わる。逆に、歓声が跳ねるんじゃなく、呼吸だけが揃う静けさが落ちて、会場が物語の中へ沈んでいく瞬間もある。YOASOBIのライブは、その変化がはっきり見える。だから、終演後に残るのは 「あの瞬間の温度」 だったりする。フェスだと、隣の知らない誰かと同じ合図で一気に揃う瞬間があって、その“揃い方”がまた気持ちいい。

このページでは、YOASOBIのセトリ定番曲を20曲、曲ごとに「その場で何が起きるか」という視点で並べた。セトリ定番曲は、ただ人気だから置かれるわけじゃない。流れを作る役割がある。たとえば「怪物」は、始めの1音で場が“戦闘モード”に切り替わり、Hey! Hey!で拳が揃って上がる。「祝福」は序盤で参加のスイッチが入り、声が広がるほど距離が縮まる。反対に「もしも命が描けたら」は、赤に染まる空間に静けさが深く刺さって、拍手が続いても“戻り方”がわからなくなる。 セトリ定番曲の並びそのものが、ライブの物語を動かしている。

一方で、YOASOBIのライブを“体験”にしているのは客席の動きでもある。Oi！Oi！Oi！Oi！が前から広がっていく「アイドル」は、叫ぶ場所が多いのに散らからず、声が刺さる瞬間が何度も来る。「群青」は合唱が見せ場じゃなく合流地点になって、歌うほど境目が薄くなる。「三原色」はAyaseの煽りでスイッチが入って、タオルと光が会場をまとめる。「PLAYERS」は“もう一回”の合唱が波になって、本編の終わりを客席の手に渡す。「ツバメ」は“観る”から“いっしょに動かす”側へ切り替わり、踊れる／踊れないの差を越えて参加の熱が広がる。「好きだ」は大声じゃなく、手拍子の粒が増えるほど空気があたたかくなる。 曲の力と客席の反応が噛み合った瞬間、景色が“完成”する。

この先は、YOASOBIのライブで出会うセトリ定番曲20曲を、曲ごとの役割と“刺さる瞬間”で辿っていく。思い出しながら読んでもいい。次のライブへ向けて、呼吸を合わせるように読んでもいい。 “あの瞬間をもう一度”。その温度に、もう一度触れにいこう。

他アーティストの“セトリ定番曲”も見たい人はこちら。

◇ YOASOBI ライブ&フェスのセトリ定番曲20選

アイドル
夜に駆ける
怪物
群青
祝福
セブンティーン
勇者
たぶん
ハルジオン
優しい彗星
アドベンチャー
UNDEAD
ミスター
三原色
あの夢をなぞって
舞台に立って
もしも命が描けたら
PLAYERS
もう少しだけ
ツバメ

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1. アイドル

「アイドル」は、セットの終盤に置かれると合唱とコールで場の主導権を一気に奪い、会場を参加型の熱で塗り替える曲だ。低音のイントロが鳴った瞬間から手が上がり、Bメロに入るとOi！Oi！Oi！Oi！が前の方から広がっていく。サビでも同じOi！Oi！Oi！Oi！が重なって、声と拳が同じリズムで揺れはじめる感覚がある。筆者は、コールが揃っていくにつれて合いの手の密度が増し、体感の“音量”が上がっていくのをはっきり感じた。さいたまスーパーアリーナ公演ではコールしたり拳を振ったりする楽しさで熱気が跳ね上がった。締めで刺さるのは、叫ぶ場所が多いのに散らからず、一斉に声が刺さる瞬間が何度も来るところ。そこに照明と動線が噛み合うと、最後の景色が決まる。

2. 夜に駆ける

「夜に駆ける」は、ライブの終盤を“全員の歌”に変えて締め切る曲だ。イントロが鳴った瞬間、客席から「お〜」と声が漏れて、空気がふっと明るくなるのを筆者は感じた。怪物の余熱のまま止まらずに駆けていき、歓声が途切れないままikuraの声が合図になる。「飛べ〜！」が落ちたところで会場は一斉に跳ね、次の波は合図がなくても自走していく。筆者が観たドーム公演では「みんなで歌おう！」の呼びかけが入り、デビュー曲を大合唱で包んでそのまま終わらせる贅沢さがある。予習するなら、ジャンプのタイミングよりサビの呼吸。息をためずに声を重ねると、会場の熱が“音”としてまとまっていく。

3. 怪物

「怪物」は、ライブの空気を一発で“戦闘モード”に切り替える曲だ。始めの1音と同時に赤いレーザーが走り、赤いペンライトの海が一気に濃くなる。ディスプレイに映るモンスターの迫力も強く、特に“手”の立体感が妙にリアルで、筆者は思わず見上げた。初日、1曲目で来たときは予想が追いつかず、息を整える前に身体だけが前のめりになる。そこへ「声出せるか！」の煽りが落ちて、歌詞の「Hey! Hey!」で拳が揃って上がる。さらに「Hands up！」が合図になって、フロアの動きが一段そろう。予習はここだけでいい。「Hey! Hey!」で拳、そして「Hands up！」で高く上げる——この2点を押さえると、曲のスピードがそのまま自分の体に乗ってくる。

4. 群青

「群青」は、ライブの終盤で“会場全体を合唱にまとめ上げる”役割を担う曲だ。音が走り出すと空気がふっと軽くなって、視線も体も自然に前へ寄る。青い光が広がる演出と相性がよく、歌うほどにステージと客席の境目が薄くなる感じがあった。筆者は「終わりたくね~~」という感情がそのまま声になって溢れ、続く「かけがえのない君だ！」で一斉に声が重なる瞬間に、胸が締まった。ikuraの「あとは楽しむだけだ！」の一声で場の温度がさらに上がり、最後は紙吹雪が舞って“終わりたくない”を肯定するように本編が閉じていく。刺さるのは、歌える場所が“見せ場”じゃなく“合流地点”になっているところ。サビに入る前から息を合わせるように声を乗せると、この曲が最後の景色を決めてくれる。

5. 祝福

「祝福」は、ライブの序盤で熱を一段引き上げて、会場の“参加スイッチ”を入れる役割を担う曲だ。イントロが鳴った瞬間から空気が前のめりに変わって、筆者は無意識に拳を握ってしまった。生バンドの音は輪郭が太く、リズムの押し出しが強いぶん、曲の“強さ”がいっそう際立つ。ikuraの「叫べ~~！」が飛ぶと、息を整える暇もなく歌声が広がっていく。終盤の「あとは楽しむだけだーー！」、「かけがえのないみんなだーー！」まで駆け抜ける流れが、この曲を“聴く”から“混ざる”へ反転させる。声を出すほど距離が縮まり、勢いが次の曲へそのまま残る。

6. セブンティーン

「セブンティーン」は、ライブの開幕で“始まった”を確信させるスイッチ役の曲だ。オープニングの空気がまだ整いきらない瞬間、イントロで声を出す人が先に現れて、その一声が合図みたいに場の温度が上がっていく。YOASOBIの2人が姿を見せた瞬間、客席の視線が一点に集まって、筆者の肌にも鳥肌が走った。爽やかさと華やかさが同居していて、音が噛み合うほどステージの輪郭がはっきりする。ホールツアーでも熱量がやばかった、という声が出るのも納得で、この曲が鳴ると「今日の始まりはここだ」と腹に落ちる。立ち上がりの勢いを逃さず、イントロの声出しのタイミングに耳を預けると、最初の景色が決まる。

7. 勇者

「勇者」は、YOASOBIのライブで物語世界へ一気に引き込まれる体験を生む、欠かせないセトリ定番曲だ。『葬送のフリーレン』主題歌として人気を集め、東京ドーム公演ではikuraが黒いドレスで再登場し、幻想的な映像とレーザー演出で会場を一瞬にして“異世界”へ変えた。筆者自身もその瞬間、視界が塗り替わるような没入感に鳥肌が立った。フリフラがステージと同期して光り、5万人の空気が静かに揃う。叫びよりも呼吸で応える空間は、まさに「音楽に立ち会っている」感覚だ。ライブで印象が大きく変わる代表曲のひとつ。体験を通して魅力が開花する曲として、YOASOBIライブの中核を担っている。

8. たぶん

「たぶん」は、ライブの熱をいったん落ち着かせて、“残らないもの”の手触りを胸の奥に置いていく曲だ。軽やかなテンポなのに、聴いている側の呼吸だけが少し重くなる。センターステージが見やすい位置だと、2人の距離感や視線の交わりまで追えて、まるで生活の一場面をそっと覗いているみたいに感じた。だからこそ、「何も残らない」という感覚や、辛いと思った瞬間にもう取り戻せない感じが、昨日よりも深く刺さってきた。途中で「みんなでー」と合図が出て、曲どおりに指パッチンが広がると、言葉より静かな参加の仕方で会場が揃う。その瞬間、熱狂とは別の一体感が生まれて、余韻だけが長く残った。

9. ハルジオン

「ハルジオン」は、ライブの流れをやわらかくほどいて、会場の空気を“白”に塗り替える曲だ。MCが明けた瞬間にこのイントロが来て、筆者は「これを生で聴きたかった」が先に胸の奥で鳴った。白を基調にした照明がドーム全体をふわっと照らして、音の輪郭まで明るく見える感覚がある。メロディは振り子みたいに高低が行き来して転がっていくのに、ikuraの歌い方はのびやかで、どこか楽しそうで、その対比が印象に残った。派手に煽る曲じゃないのに、視線が自然とステージに集まって、息の仕方まで整っていく。ここで聴く「ハルジオン」は、盛り上げるというより、“心の温度”を上げ直す役割を担っていた。白い光と一緒に、声の伸びる瞬間だけを逃さず聴いてほしい。

10. 優しい彗星

「優しい彗星」は、熱を上げるのではなく、会場の速度を落として“夜”の感情へ連れていく曲だ。次の瞬間、背景が夜に切り替わって星が広がり、空間そのものが静かに深くなる。筆者はそこで、歌が始まる前から胸の奥が先に反応して、イントロに触れた途端に涙が出た。しとやかに歌い上げるikuraの声は、強く押すんじゃなく、輪郭だけを丁寧に残していく感じがあって、言葉が刺さるというより“満ちる”。一方で、手元のフリフラが無点灯のままだったのが少しだけ寂しくて、その寂しさすら曲の温度に重なった。ここで鳴る「優しい彗星」は、派手な演出の逆側で、会場を黙らせてしまう静けさを担っている。星が広がった瞬間の空気と、声がすっと上に抜けるところだけ、目を離さずにいたい。

11. アドベンチャー

「アドベンチャー」は、会場を“参加型”に切り替えて、YOASOBIの引き込む力をいちばん分かりやすく見せる曲だ。音が走り出した瞬間から、手拍子やペンライトの揺れが自然に揃っていって、観客側も「受け取る」じゃなく「一緒に作る」モードに入る。筆者は、その流れに飲み込まれる感じが心地よくて、気づけば周りの声と自分の声が重なる場所に立っていた。歌詞の通り、合唱が似合うパートが用意されていて、そこで会場の輪郭が一段くっきりする。終始、観客を巻き込む力に圧倒されて、「冒険」という言葉がただのタイトルじゃなく、今ここで起きている体験の名前みたいに思えた。合唱が入る瞬間だけは、迷わず声を乗せるといい。そこでこの曲の景色が決まる。

12. UNDEAD

「UNDEAD」は、序盤の空気をいきなり“カオス寄りの熱”に振り切って、会場を参加者に変える曲だ。鳴った瞬間からテンポに引っ張られて、拳も声も先に動き出す感じがある。筆者は、コール＆レスポンスが走り出したところで一気に視界が開けて、周りの反応まで含めて曲が完成していくのを感じた。モンスターが映るディスプレイ演出も迫力が強くて、音の勢いに映像が追い打ちをかける。曲中の掛け声は「UNHAPPY?UNLUCKY?BE HAPPY!UNDEAD!」みたいに“楽曲どおり”に進むので、細かい歌詞が曖昧でも流れには乗れる。M-4で置かれた公演もあり、序盤の加速役としての役割はかなり強い。最後は、クラップと掛け声をセットで入れると、この曲の熱がそのまま自分の手元まで落ちてくる。

13. ミスター

「ミスター」は、セットの流れをいったん“軽やかな揺れ”に整えて、会場を同じリズムでまとめ直す曲だ。筆者は、手拍子を入れはじめたあたりから、音の隙間に観客の拍がすっと重なっていく感覚があって、気づけば身体が自然に揺れていた。サビのラララは、歌うというより“息を合わせる”に近くて、会場の温度がふわっと上がる。グルーヴィーに揺らしながらも、切ないフレーズが差し込まれる瞬間に空気が少しだけ沈み、その沈み込みが次の拍を太くする。軽やかで伸びやかなのに、ライブだとしっとりさも残っていて、テンションを落としすぎずに感情だけを深くする。M-6で披露された回（DAY1は「ミスター」）もあり、手拍子の一体感がこの曲の役割そのものだった。最後は、思わず声にしたくなる“好きだ”が喉元まで来る。

14. 三原色

「三原色」は、感動の余韻を“参加する熱”に切り替えて、会場の景色を一気に塗り替える曲だ。筆者は、イントロが鳴った瞬間から空気が軽くなるのを感じて、次の合図を待つより先に身体が前のめりになった。Ayaseの「ソリジルロ！」が飛んだところでスイッチが入って、タオルが回りはじめると視界がぐるっと動き出す。フリフラはここで本領発揮で、客席がRGBの光で埋まっていくのが本当にわかるくらい、色の密度が増していく。しっとりした流れの直後でも、この曲に入るだけで空気が“上向き”に反転して、手を動かす人が増えるほど一体感が太くなる。最後まで頼れるのは、タオル回しのタイミング。迷わず回せば、曲が勝手に会場をまとめてくれる。

15. あの夢をなぞって

「あの夢をなぞって」は、ライブの終盤で“空気をほどいて、会場をひとつの歌にまとめる”役割を担う曲だ。筆者は出だしのアカペラで一気に引き込まれて、声がそのまま東京ドームの空気に溶けていくみたいに広がっていくのを見上げた。そこからフルバンドが入った瞬間、景色がパッと開ける。音が厚くなるのに、重たくならない。演奏はどこか楽しそうで、ステージ全体が前へ進む推進力を持ち始める。この曲は「14曲目」として置かれていた記録もあって、終盤の熱をちゃんと受け止める場所で鳴っている。歓声が大きくなるのも納得で、サビに入るたびに“歌いたくなるライン”が自然に浮かび上がる。鍵になるのは、アカペラの一呼吸と、そこからバンドが入る瞬間の開放感。ここで耳を澄ますと、曲のドラマが一段くっきりする。

16. 舞台に立って

「舞台に立って」は、終盤で“足元の熱をもう一段だけ上げて、次の景色へ背中を押す”役割を担う曲だ。筆者は、生バンドで鳴った瞬間に「これ絶対合うだろ」と思っていた期待が一気に回収されて、言葉より先に身体が反応した。音が前に出てくるというより、バンドの厚みがステージ全体を押し広げていく感じで、歌がその上をまっすぐ走る。会場に響いたのは派手な煽りじゃなくて、今を全力で生きる人を励ますような歌声。そのまま胸の奥に差し込まれて、呼吸の仕方まで変わる。ここは技巧よりも“届き方”が勝つ場面で、サビに入った瞬間に、声の輪郭がぐっと立つ。余計なことを考えず、バンドの厚みと歌の芯だけを追うと、この曲が終盤の気持ちを整えてくれる。

17. もしも命が描けたら

「もしも命が描けたら」は、ライブの流れをいったん止めて、物語の中へ沈める役割を担う曲だ。イントロが鳴った瞬間、歓声が跳ねるというより、客席の呼吸が揃うような静けさが広がって、筆者も身体の置き場をなくした。会場は赤に染まり、照明と映像が歌詞に噛み合うほど、視線を外す余裕がなくなる。クラップもコールも挟む隙がなくて、ただ黙って聴くしかないのに、曲が進むほど感情だけが削れていく感覚が残る。中盤の“しっとり”が続く並びの中で、この曲は一番深く落ちるポイントだった。終わった直後もしばらく拍手が途切れなかったのは、余韻というより「戻り方」がわからなかったからだと思う。ここは参加するんじゃなく、赤い世界を最後まで見届ける。

18. PLAYERS

「PLAYERS」は、本編の熱を“もう一回”で束ねて、アンコール前の空気を客席側に手渡す曲だ。サビに入った瞬間、クラップより先に歌声が立ち上がって、「もう一回もう一回」が会場の端まで押し広がっていく。新曲なのに迷いがないのが面白い。視界には風船がふわっと浮いて、客席の隅からスタッフが精一杯投げ込んでいく光景まで含めて、どこか可愛くて、でも熱は冷めない。群青と並ぶ“みんなで歌う”ゾーンの中でも、この曲は叫びじゃなく合唱で締めに向かうのが効いていた。耳に残るのはメロディより、最後まで途切れない「もう一回」の波。その波に乗れた瞬間、本編の終わりがちゃんと“自分ごと”になる。

19. もう少しだけ

「もう少しだけ」は、セットの流れの中で呼吸を整えつつ、客席の手を“クラップの一定のリズム”に揃えていく曲だ。音が走りすぎないぶん、手拍子が混ざった瞬間に会場の輪郭がくっきりする。終始クラップが合わせやすく、メロディー通りに乗るだけで自然に“参加してる側”に引き上げられる感覚がある。配置としても、前後の熱量をいったん受け止めて、次の山へ渡すためのクッションになっていた。舞台側も作り込まれていて、京セラドームでは高層ビル群を模した都市セットが用意され、青空のイメージの中でこの曲が鳴るのが合っていたという声がある。派手に煽るタイプじゃないのに、手の動きだけで会場がひとつになる――この曲はそこがいちばん気持ちいい。

20. ツバメ

「ツバメ」は、ライブの空気を“観る”から“いっしょに動かす”側へ切り替える曲だ。ダンサーが登場して一段景色が増えた瞬間、「ここで追加来るんだ」と客席がざわっと反応する。そのまま「みんなも踊って！」の煽りが入ると、周りでも小さくでも振付をなぞる人が出てきて、踊れる／踊れない関係なく“参加の熱”が客席に広がっていくのが面白い。歌もこの曲は特に伸びやかに響きやすく、音が前に抜ける感じがあって、手拍子や声よりも身体の動きが先に揃っていく。最後から2曲目に置かれた公演もあり、サビに入った途端「こんなに盛り上がる曲だったんだ」と体感が更新される。振付を完璧に踊る必要はなくて、サビで腕とステップだけでも合わせると、曲の輪郭が一気に立ち上がる。

◇ まとめ｜YOASOBIライブのセトリ定番曲20選で残った“あの瞬間”

YOASOBIのライブを思い返すと、記憶に残るのは曲名より先に「空気が切り替わった瞬間」だったりする。音が鳴っただけで客席の姿勢が変わる。照明の色が変わっただけで、呼吸の速さまで揃う。その切り替えを何度も作っていたのが、今回まとめたYOASOBIのライブのセトリ定番曲20曲だった。残るのは“曲名”じゃなく“空気の変化”だ。

“戦闘モード”に一発で入る瞬間がある。「怪物」で赤いレーザーが走り、Hey! Hey!で拳が揃うと、会場はもう「聴く場所」じゃなくなる。「祝福」では、生バンドの太い輪郭が曲の強さを押し出して、ikuraの「叫べ~~！」が落ちたところから、声が空間を埋めていく。勢いに乗ったまま「UNDEAD」で掛け声が走り出すと、周りの反応まで含めて曲が完成していく感覚がある。“参加のスイッチ”が入る瞬間が、セトリの中に仕込まれている。

一方で、熱だけがライブのすべてじゃない。セトリ定番曲の中には、会場の速度を落として感情を沈める曲もある。「たぶん」は、指パッチンが言葉より静かな合図になって、熱狂とは別の一体感を作る。「ハルジオン」は白い光で呼吸を整え直して、心の温度を上げ直す。「優しい彗星」は背景が夜に切り替わり、星が広がった瞬間に空間が深くなる。ここで起きているのは、盛り上がりじゃなく、“会場が黙ってしまう静けさ”だ。ライブでこの静けさを置けることが、YOASOBIの強さだと筆者は感じた。この“静けさ”があるから、次の熱が刺さる。

そして終盤、もう一度“みんなのもの”として曲が立ち上がる。「群青」は合唱が見せ場じゃなく合流地点になって、声が重なるほど境目が薄くなる。「三原色」はタオル回しとフリフラの色が景色を塗り替えて、手を動かすほど一体感が太くなる。「PLAYERS」は“もう一回”の合唱が波になって、本編の終わりを客席の手に渡す。最後に「好きだ」が来ると、大声じゃなく手拍子の粒が増えるほど空気があたたかくなって、YOASOBIと客席の距離が一段近づく。ここまで来ると、セトリ定番曲という言葉が“頻出曲”じゃなく、ライブで空気を作るための装置に見えてくる。本編の終わりが“客席の手”に渡る瞬間がある。

結局、YOASOBIのライブで残った“あの瞬間”は、派手な場面だけじゃない。拳が揃った瞬間、声が刺さった瞬間、呼吸が揃った瞬間、手拍子だけで会場がひとつになった瞬間。その全部が、セトリ定番曲の中にある。次にライブへ行くなら、曲を覚える以上に「どこで空気が変わるのか」を見てほしい。音・光・客席の動きが噛み合った瞬間、曲は“記憶”として残る。そしてその記憶は、帰り道にふいに蘇って、また“あの瞬間をもう一度”と思わせる。“どこで空気が変わるか”を掴むと、ライブの記憶は濃くなる。

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◇ よくある質問｜YOASOBI

Q1. YOASOBIのライブ、セトリ定番曲ってどれくらい知っておけば楽しめる？

全部覚える必要はない。YOASOBIのライブは、セトリ定番曲ごとに「空気の変わり方」が違うから、まずは自分が反応しやすいタイプを数曲だけ押さえるといい。拳が揃う曲、声が重なる曲、静けさに沈む曲。数曲でも分かっていると、会場で起きていることが見えやすくなる。

Q2. YOASOBIのライブでコールが揃いやすいセトリ定番曲は？

「アイドル」は分かりやすい。Bメロから**Oi！Oi！Oi！Oi！**が広がって、サビでも同じリズムが重なる。叫ぶ場所が多いのに散らかりにくく、声と拳がまとまりやすい。「怪物」も「Hey! Hey!」や「Hands up！」で動きが揃って、会場が一気に同じ方向を向く感覚がある。

Q3. YOASOBIのライブで“手を動かす系”のセトリ定番曲はどれ？

タオルなら「三原色」。煽りが入ったところからタオルが回りはじめて、フリフラの色も増えて景色が変わる。クラップなら「もう少しだけ」や「好きだ」。大きく叩くより、歌詞の流れと“間”に手を置くほうが気持ちよく噛み合う。手を動かすだけで、ちゃんと参加できるタイプの曲が多い。

Q4. YOASOBIのライブで“静かに聴く”時間になるセトリ定番曲はある？

ある。「もしも命が描けたら」は、歓声というより静けさが落ちて、赤い世界に沈んでいく。クラップもコールも挟む隙がなくて、聴き方が自然に変わる。「優しい彗星」も、夜に切り替わって星が広がった瞬間に空間の深さが変わって、声を出すより呼吸を整えたくなるタイプだ。

Q5. YOASOBIのライブ、セトリ定番曲の予習で“ここだけ”押さえるなら？

一番わかりやすいのは「怪物」。Hey! Hey!で拳、Hands upで高く上げる。これだけで会場の動きに乗りやすい。歌う体験を味わいたいなら「群青」。一体感を身体で取りたいなら「三原色」。YOASOBIのライブは、セトリ定番曲が“役割”を持っているから、まずは自分が乗りたい役割から選ぶと外しにくい。